作曲を始めたい、あるいはもっと上達したいと考えたとき、多くの人が「作曲 理論」という壁に突き当たります。音楽理論とは何ですか？と問われれば、それは作曲を助ける地図のようなものですが、本当に必要なのでしょうか。作曲に音楽理論はいらないという話も耳にしますし、実際、米津玄師さんやあいみょんさんのように、音楽理論を知らないとされるアーティストが素晴らしい楽曲を生み出している例もあります。
一方で、音楽理論の天才と呼ばれる人々がいるのも事実です。作曲の三大要素であるメロディ、ハーモニー、リズムを自在に操るためには、やはり音楽理論を作曲の勉強に取り入れるべきなのでしょうか。また、独学で学ぶ場合、音楽理論を学ぶ順番や、数多く存在する作曲理論の本や音楽理論の本をどう選べば良いのか、迷うことも少なくありません。さらに、プロの作曲家は1曲いくらで依頼されるのか、といった現実的な疑問を持つ方もいるでしょう。
この記事では、そうした作曲理論に関するあらゆる疑問や悩みを解消します。理論の必要性から具体的な勉強法、そしてプロの世界までを網羅的に解説し、最終的に、あなたの作曲スキルを飛躍させるための一つの答えとして、なぜ椿音楽教室がおすすめなのか、その理由を明らかにしていきます。
- 作曲における音楽理論の本当の役割
- 独学とプロの作曲家の音楽理論に対する考え方
- 自分に合った作曲理論の正しい勉強法
- 作曲スキルを効率的に伸ばすための選択肢
作曲と音楽理論の基礎知識と必要性のウソホント
- 音楽理論とは何ですか？
- 作曲の三大要素は？
- 作曲に音楽理論はいらないという説の真偽
- 音楽理論を知らない天才アーティストの存在
- 米津玄師やあいみょんの音楽理論
- 作曲家は1曲いくらで依頼される？
音楽理論とは何ですか？
音楽理論とは、一言で表すと「音楽の仕組みを体系的に説明した知識」のことです。これを、学校のテストのように厳格なルールや決まり事の集まりだと捉えてしまうと、途端に難しく堅苦しいイメージを持ってしまうかもしれません。しかし、実際の音楽理論は、作曲という航海に出るための地図やコンパスに近い存在です。
例えば、なぜこのコード進行は心地よく響くのか、どうすれば聴き手の感情を揺さぶるメロディが作れるのか、といった現象には、ある程度の法則性やパターンが存在します。音楽理論は、過去の偉大な作曲家たちが試行錯誤の末に見つけ出した、それらの効果的な音の組み合わせや展開方法をまとめた知恵の結晶なのです。
もちろん、理論を知らなくても素晴らしい音楽を作ることは可能です。ただ、理論を学ぶことで、自分が作りたい音楽のイメージをより明確に、そして効率的に形にできるようになります。感覚だけで進んで壁にぶつかったときに、その壁を乗り越えるためのヒントを与えてくれるのも音楽理論の役割です。つまり、音楽理論は創造性を縛るものではなく、むしろ自由な表現を助けるための便利な道具である、と考えるのが良いでしょう。
作曲の三大要素は？
作曲を構成する基本的な要素は、一般的に「メロディ」「ハーモニー」「リズム」の三つであると言われます。これらは楽曲の骨格を成す、非常に大切な要素です。
#### メロディ（旋律）
メロディは、楽曲の顔とも言える部分で、歌やメイン楽器が奏でる音の連なりを指します。多くの人が曲を記憶するとき、まずこのメロディを口ずさむのではないでしょうか。聴き手の心に最も直接的に訴えかけ、曲の印象を決定づける中心的な役割を担っています。
#### ハーモニー（和声）
ハーモニーは、メロディを支え、彩る和音の響きやコード進行のことです。同じメロディであっても、ハーモニーが変われば曲の雰囲気はガラリと変わります。例えば、明るいコード進行を付ければ楽しい曲に、暗いコード進行を付ければ悲しい曲に聴こえます。このように、ハーモニーは楽曲に深みと色彩感を与える重要な要素です。
#### リズム（律動）
リズムは、音楽における時間の流れを司り、曲に躍動感やグルーヴを生み出します。ドラムやベースが刻むビートはもちろん、メロディやハーモニーの音の長さやタイミングもリズムに含まれます。聴き手の体を自然に揺らしたり、曲のテンポ感をコントロールしたりする役割を持っています。
以上の三つが有機的に絡み合うことで、一つの楽曲が成り立っています。作曲を学ぶ上では、これらの要素をバランス良く組み立てていく意識が鍵となります。
作曲に音楽理論はいらないという説の真偽
「作曲に音楽理論はいらない」という言葉は、特にDTM界隈などで頻繁に議論されるテーマです。この説が生まれる背景には、理論を学ばずに独学で名曲を生み出すクリエイターが数多く存在するという事実があります。では、この説は本当に正しいのでしょうか。
この問いに対する答えは、「半分は正しく、半分は誤解を含んでいる」と考えられます。確かに、音楽学校に通ったり専門書を読んだりしなくても、作曲は可能です。これは、私たちが母国語を文法の教科書なしで話せるようになるのと似ています。たくさんの音楽を聴き、コピーし、試行錯誤を繰り返す中で、無意識のうちに音楽の法則性を体で覚えていくのです。
しかし、これは「理論を使っていない」ということではありません。むしろ、自分の中に蓄積された膨大なデータから、感覚的に理論をリバースエンジニアリングしている状態と言えます。そのため、ある程度のレベルまでは到達できても、自分の引き出しが尽きてしまったときや、より複雑な表現をしたいと思ったときに、大きな壁にぶつかる可能性があります。
一方で、理論を学ぶことには明確なメリットがあります。それは、自分のやりたいことを実現するための最短ルートを示してくれることです。感覚的に「良い」と感じたものを、なぜ良いのか言語化して理解できるようになり、それを他の場面でも応用できるようになります。したがって、「理論は必須ではないが、知っていれば圧倒的に有利な武器になる」というのが、この説の真実の姿と言えるでしょう。
音楽理論を知らない天才アーティストの存在
メディアのインタビューなどで、有名なアーティストが「音楽理論とか全然わからないんですよね」と語っているのを目にすることがあります。これを聞くと、「理論を知らなくても天才的な曲が作れるなら、勉強する必要はないのでは？」と思ってしまうかもしれません。
しかし、この言葉を額面通りに受け取るのは早計です。プロとして活動しているミュージシャンの多くは、たとえ学問的な「音楽理論」という形で学んでいなくとも、長年の経験を通じて、それに匹敵するほどの深い音楽的知識と独自のルールを持っています。
彼らが言う「理論を知らない」というのは、正しくは「学校で習うような体系的な理論の名称や分類は知らない」という意味合いが強いと考えられます。例えば、あるコード進行の響きが心地よいことを知っていても、それが「ツーファイブワン進行」という名前であることは知らない、といった具合です。
彼らは、膨大な時間を音楽に費やし、無数の試行錯誤を重ねる中で、自分だけの「作曲レシピ」を確立しています。それは、学問的な理論とは違う形かもしれませんが、非常に高度で実践的な、生きた理論なのです。そのため、彼らの言葉を「勉強しなくていい」という言い訳にするのではなく、むしろ「理論という形にこだわらず、自分なりに音楽を探求し続ける姿勢が大切だ」というメッセージとして受け取るべきでしょう。
米津玄師やあいみょんの音楽理論
現代のJ-POPシーンを代表する米津玄師さんやあいみょんさんも、しばしば「感覚派」のアーティストとして名前が挙がり、音楽理論との関わりについて語られることがあります。彼らの楽曲は、多くの人々の心を掴むキャッチーなメロディや独創的なコード進行が特徴ですが、これらは理論を知らなければ生み出せないものなのでしょうか。
この点についても、前述の「理論を知らない天才」の話と共通します。彼らが専門的な音楽教育を受けてきたか、あるいは理論書を読み込んできたかどうかは別として、その楽曲は音楽理論で明確に分析することが可能です。むしろ、既存の理論の枠に収まらないような斬新なコードの使い方や展開が、彼らの音楽をユニークなものにしています。
例えば、米津玄師さんの楽曲には、クラシックやジャズの要素を感じさせる複雑なハーモニーが用いられることがあります。また、あいみょんさんの楽曲は、フォークソングを基盤としながらも、現代的な感覚でアレンジされたコード進行が印象的です。
これらの事実は、彼らが意識的か無意識的かに関わらず、非常に高度なレベルで音楽の構造を理解し、自身の表現に昇華させていることを示しています。彼らの存在は、理論を学ぶことが必ずしも画一的な音楽を生むわけではなく、むしろ盤石な基礎の上にこそ真の個性が花開く可能性を示唆していると言えるかもしれません。
作曲家は1曲いくらで依頼される？
作曲を学ぶ人の中には、将来的にプロの作曲家として活動したいと考えている方もいるでしょう。その際、気になるのが「作曲家は1曲いくらで仕事を依頼されるのか」という現実的な問題です。
これは案件の種類、作曲家の実績、楽曲の用途（CM、ゲーム、アーティストへの提供など）、そして著作権の扱いなど、非常に多くの要因によって大きく変動するため、一概に「いくら」と断定することは困難です。
参考として、駆け出しの作曲家や個人間の依頼であれば1曲数万円から、というのが一つの目安になるかもしれません。一方、メジャーシーンで活躍する著名な作曲家や、大規模なプロジェクトになれば、1曲で数十万円から数百万円、あるいはそれ以上の報酬になることもあります。
ここで重要なのは、プロとして報酬を得るためには、単に良い曲が作れるだけでは不十分だということです。クライアントの多様な要求に応えるための引き出しの多さ、修正依頼に迅速かつ的確に対応できる柔軟性、そして何より、常に安定したクオリティの楽曲を厳しい納期内に納品する責任感が求められます。
これらの要求に応える上で、音楽理論の知識は極めて強力な武器となります。「こういう雰囲気の曲を」という曖昧な要望を具体的なコード進行やアレンジに落とし込んだり、修正指示の意図を正確に汲み取ったりする際に、理論的な裏付けは大きな助けとなるのです。
実践的な作曲と音楽理論の勉強法と選択肢
- 音楽理論を学ぶおすすめの順番は？
- 作曲理論や音楽理論のおすすめ独学本
- 音楽理論を作曲に活かす勉強のコツ
- 作曲理論を学ぶなら椿音楽教室がおすすめ
音楽理論を学ぶおすすめの順番は？
音楽理論を学ぼうと決意したものの、その範囲はあまりにも広大で、どこから手をつければ良いのか分からなくなってしまうのは、多くの初学者が経験することです。効率的に学習を進めるためには、基礎から順序立てて知識を積み上げていくことが大切です。
一般的に推奨される学習の順番は以下の通りです。
- インターバル（音程）: 全ての基本となる、2つの音の間の距離（高さの違い）に関する知識です。これを理解しなければ、コードやスケールの仕組みを把握することはできません。
- コード（和音）: 複数の音を同時に鳴らしたときの響きです。まずは基本的なメジャーコード、マイナーコードから学び、セブンスコードやテンションコードへと進んでいきます。
- ダイアトニックコードとコード機能: あるキー（調）の中で自然に発生するコード群（ダイアトニックコード）と、それぞれのコードが持つ役割（トニック、ドミナント、サブドミナント）を学びます。これがコード進行作りの基礎となります。
- スケール（音階）: メジャースケールやマイナースケールなど、楽曲の土台となる音の並びです。コードとスケールの関係性を理解することで、メロディ作りやアドリブ演奏の自由度が格段に上がります。
- 発展的な理論: 上記の基礎を固めた上で、代理コード、裏コード、転調、モード（旋法）といった、より高度なテクニックへと進んでいきます。
この順番はあくまで一例であり、必ずしも厳守する必要はありません。しかし、特にインターバルと基本的なコードの理解は、その後の学習効率を大きく左右するため、時間をかけてじっくりと取り組むことをおすすめします。
作曲理論や音楽理論のおすすめ独学本
独学で作曲理論を学ぶ上で、良質な教則本は心強い味方になります。現在、書店やインターネット上には数多くの音楽理論に関する本があふれており、どれを選べば良いか迷ってしまうかもしれません。自分に合った一冊を見つけるためのポイントは、以下の通りです。
まず、自分の現在のレベルと目的に合っているかを確認することが重要です。初心者がいきなりプロ向けの難解な本に手を出しても、挫折してしまう可能性が高いでしょう。図やイラストが多く、平易な言葉で解説されている入門書から始めるのが賢明です。
次に、自分が作りたい音楽のジャンルとの相性も考慮に入れるべきです。音楽理論と一括りに言っても、クラシック音楽の和声法、ジャズ理論、ポピュラー音楽のコード理論など、ジャンルによって重点を置く部分が異なります。ポップスやロックを作りたいのに、クラシックの厳格な対位法の本を読んでも、すぐには実践に活かせないかもしれません。
また、本の内容が実践的であるかどうかも大切なポイントです。理論の解説だけでなく、具体的な譜例や練習問題、実際の楽曲分析などが豊富に掲載されている本は、知識を定着させ、応用力を養う上で非常に役立ちます。
独学は自分のペースで進められるという大きなメリットがありますが、疑問点があっても質問できない、モチベーションの維持が難しいといったデメリットも存在します。本選びで失敗しないためにも、購入前にレビューを読んだり、実際に書店で中身を確認したりすることをおすすめします。
音楽理論を作曲に活かす勉強のコツ
音楽理論をただ知識として頭に入れるだけでは、作曲スキルは向上しません。大切なのは、学んだ理論をいかにして実際の曲作りに活かしていくかです。ここでは、理論を実践的なスキルに変えるための勉強のコツをいくつか紹介します。
一つ目のコツは、インプットとアウトプットを常にセットで行うことです。例えば、新しいコード進行を学んだら、すぐにその進行を使って短いフレーズを作ってみる。新しいスケールを覚えたら、そのスケールを使ってメロディを考えてみる。この繰り返しによって、知識が体に染み込み、自分の引き出しとして定着していきます。
二つ目は、既存の楽曲を分析する習慣をつけることです。自分の好きな曲やヒット曲が、どのような理論に基づいて作られているのかを分析してみましょう。「ここのコード進行は、本で読んだあのテクニックが使われているな」「このメロディが心地よいのは、このスケールの音を使っているからか」といった発見は、理論への理解を深めると同時に、新たな作曲のアイデアにも繋がります。
最後に、独学と音楽教室での学習、それぞれの特徴を理解し、自分に合った方法を選ぶことも重要です。以下の表で両者のメリットとデメリットを比較してみましょう。
| 学習方法 | メリット | デメリット |
| 独学 | ・自分のペースで学習できる ・費用を安く抑えられる ・場所や時間を選ばない | ・疑問点を質問できない ・モチベーションの維持が難しい ・誤った解釈をしてしまう可能性がある ・客観的なフィードバックが得られない |
| 音楽教室 | ・専門家の指導で正しい知識が身につく ・疑問点をその場で解決できる ・カリキュラムに沿って効率的に学べる ・客観的なフィードバックで成長が早い | ・費用がかかる ・レッスン時間や場所の制約がある ・講師との相性が合わない場合がある |
このように、どちらの方法にも一長一短があります。自分の性格やライフスタイル、そして作曲で目指すゴールを考慮して、最適な学習環境を選ぶことが、理論を使いこなすための近道となります。
作曲の音楽理論を学ぶなら椿音楽教室がおすすめ
これまで見てきたように、作曲理論の学習には独学の難しさや、正しい順序で学ぶ重要性といった課題が伴います。もしあなたが、作曲理論を効率的かつ体系的に身につけ、最短距離でスキルアップを目指したいのであれば、音楽教室に通うという選択肢は非常に有効です。中でも、特におすすめしたいのが「椿音楽教室」です。
以下に、椿音楽教室が作曲理論の学習に最適である理由をまとめます。
- 音楽理論は作曲を助ける便利な知識でありルールではない
- 作曲の三大要素はメロディ、ハーモニー、リズムの三つ
- 理論不要論は感覚的な体得を指すことが多く過信は禁物
- 理論を知らないとされるアーティストも膨大な経験に裏打ちされた独自の法則を持つ
- プロの作曲家にはクオリティの安定性と対応力が求められ理論が武器になる
- 理論の学習はインターバル、コード、スケールの順で進めるのが効率的
- 独学はマイペースに進められるが挫折しやすく質問ができないデメリットがある
- 音楽教室は費用がかかるが専門家の指導で着実に成長できる
- 椿音楽教室ではマンツーマンレッスンで個々のレベルや目標に合わせた指導を受けられる
- 担当講師から直接フィードバックをもらえるため上達が早い
- 疑問点をその場で質問し即座に解消できるため学習が停滞しない
- クラシックに強く音楽大学で専門教育を受けた講師陣から質の高いレッスンを受けられる
- 関東と関西に合計350箇所以上のスタジオがあり通いやすい場所を選べる
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