作曲と編曲の違いは？意味・印税・やり方をプロがやさしく解説

音楽を聴いていると、CDのクレジットや音楽配信サービスの情報欄で「作曲」と「編曲」という言葉を目にしますね。この作曲と編曲の違いについて、あなたは明確に説明できるでしょうか。編曲とは何か、そして作詞や作曲との違いはどこにあるのか、疑問に思う方も少なくないはずです。また、時には作曲と編曲が同じ人であったり、中には作詞作曲編曲を一人ですべて手掛けたりするアーティストもいます。

さらに、クリエイターの収入に直結する作曲や編曲の印税、あるいは作詞作曲編曲の印税の仕組みについても気になるところです。この記事では、そもそも作曲とは何かという基本から、具体的な編曲のやり方までを丁寧に解説します。作曲ができるようになるには、どれくらいの作曲の勉強時間が必要なのか、独学に役立つ作曲の勉強アプリや作曲の勉強サイトはあるのか、といった具体的な疑問にもお答えします。独学での学習に不安を感じる方には、椿音楽教室がおすすめである理由もあわせて紹介しますので、ぜひ最後までご覧になり、あなたの音楽への理解を一層深めてください。

• 作曲と編曲の具体的な役割の違い
• 作曲家と編曲家の収入（印税）に関する仕組み
• 作曲を独学で始めるための勉強法やツール
• 本格的に音楽を学ぶための音楽教室の選び方

作曲と編曲の違いを分かりやすく解説

• 作曲とは？作曲の勉強サイトも紹介
• 編曲とは？作詞や作曲との大きな違い
• 作曲と編曲が同じ人のケースは多い
• 作詞作曲編曲を一人でおこなうには
• 作曲と編曲における印税の仕組み
• 初心者でも分かる編曲のやり方

作曲とは？作曲の勉強サイトも紹介

作曲とは、一言で表すと「メロディー（主旋律）を生み出すこと」です。これは楽曲制作における最も根幹となる作業であり、曲の骨格をゼロから作り上げる工程を指します。

例えば、ふと頭に浮かんだメロディーを鼻歌で口ずさんだり、ピアノやギターで新しい旋律を奏でたりすることも、立派な作曲活動にあたります。このように、作曲は必ずしも楽器の高度な演奏技術や専門的な音楽理論を必要とするわけではありません。アイデアとそれを表現する手段さえあれば、誰でも始めることが可能です。

もちろん、作曲の技術を深めるためには音楽理論の学習が助けになりますが、最も大切なのは「どのようなメロディーを伝えたいか」という発想力です。

近年では、作曲の学習をサポートするウェブサイトも数多く存在します。これらのサイトを利用すれば、コード進行の基本パターンや音楽理論の初歩を無料で学ぶこともできます。手軽に知識を得られる点は大きなメリットですが、一方でデメリットも存在します。多くのサイトは情報が断片的であり、体系的に知識を積み上げることが難しい場合があります。また、疑問点があっても直接質問できないため、問題解決に時間がかかることや、一人での学習ではモチベーションを維持しにくいことも考えられます。

したがって、作曲の勉強サイトはあくまで入門のきっかけとして活用し、より深い知識や技術を求めるのであれば、次のステップを検討することが望ましいでしょう。

編曲とは？作詞や作曲との大きな違い

編曲とは、作曲されたメロディーを元にして、楽曲全体を豊かに飾り付け、リスナーが聴く「完成形」の音楽に仕上げる作業全般を指します。アレンジャーと呼ばれる専門家が手掛けることも多く、楽曲の印象を決定づける非常にクリエイティブな工程です。

作曲がメロディーという「骨格」を作る作業だとすれば、編曲はそれに「肉付け」をし、「衣装」を着せて魅力的な人物に仕立て上げるようなものと言えます。具体的には、イントロや間奏、エンディングといった曲の構成を考えたり、ドラムやベースでリズムの土台を築いたり、ピアノやギターでハーモニーを加えたりする作業が含まれます。さらに、ストリングスやシンセサイザーなどで楽曲に彩りを添えるのも編曲の役割です。

作詞、作曲、編曲の役割の違いをまとめると、以下のようになります。

項目	作曲 (Composition)	編曲 (Arrangement)	作詞 (Lyrics)
役割	メロディー（主旋律）を作る	曲を装飾し、全体を完成させる	楽曲の言葉（歌詞）を作る
主な作業	鼻歌、楽器での旋律作成	イントロ・伴奏作成、楽器選定、リズム構築	詩や物語の創作
必要なスキル	メロディーセンス、発想力	音楽理論、楽器知識、DAW操作	語彙力、表現力、物語構成力
収入形態	著作権印税が主	編曲料（買い切り）が主	著作権印税が主

このように、作詞が「言葉」、作曲が「メロディー」という独立した要素を作るのに対し、編曲は作曲されたメロディーがなければ成立しません。そして、編曲の仕方一つで、同じメロディーが全く異なるジャンルの楽曲に生まれ変わることもあります。例えば、シンプルなピアノの弾き語り風にも、壮大なオーケストラサウンドにも、激しいロックチューンにも仕上げることが可能なのです。この点が、編曲と作曲の最も大きな違いと言えます。

作曲と編曲が同じ人のケースは多い

現代の音楽制作シーンにおいて、作曲と編曲を同一人物が手掛けるケースは非常に多く見られます。これは、DTM（デスクトップミュージック）と呼ばれる、パソコンを使った音楽制作環境が一般化したことが大きく影響しています。

かつては、作曲家が作ったメロディーの譜面を元に、編曲家がスタジオでミュージシャンに指示を出しながら音を組み立てていく、という分業が主流でした。しかし、現在では作曲家自身がパソコン上で様々な楽器の音をシミュレートし、編曲作業まで含めた「デモ音源」を完成させるのが一般的です。これにより、作曲家が頭の中で描いた楽曲のイメージを、よりダイレクトに、そして細部まで忠実に音で表現できるようになりました。

この制作スタイルのメリットは、楽曲の世界観に一貫性が生まれることです。作曲家自身の意図が100%反映されるため、ブレのない完成度の高い作品が期待できます。

一方で、注意すべき点も存在します。一人のクリエイターが全ての作業を担うことで、良くも悪くも音楽性が固定化し、アイデアがマンネリ化してしまう可能性があります。また、第三者の客観的な視点が入らないため、独りよがりなアレンジに陥ってしまう危険性も否定できません。

そのため、あえて別の編曲家を立てることで、作曲家本人も気づかなかったメロディーの新たな魅力を引き出したり、より多くのリスナーに届くような普遍的なアレンジを加えたりする戦略が取られることも少なくありません。どちらのスタイルが良いかは、楽曲の目的やアーティストの方向性によって異なると考えられます。

作詞作曲編曲を一人でおこなうには

作詞、作曲、編曲の全てを一人でこなすことは、クリエイターにとって一つの到達点であり、自らの世界観を余すことなく表現できる理想的な形と言えるかもしれません。しかし、これを実現するには非常に広範な知識と高度なスキルが求められます。

言うまでもなく、この三つの作業はそれぞれ全く異なる専門性を必要とします。

作詞には、言葉を紡ぎ出す語彙力や表現力、物語を構成する能力が不可欠です。

作曲には、人の心に残るメロディーを生み出す閃きや音楽的なセンスが問われます。

そして編曲には、音楽理論に基づいたハーモニーの知識、各楽器の特性や役割の深い理解、それらをDAW（作曲ソフト）上で構築していく技術的なスキルが欠かせません。

これら全てを高いレベルで両立させるのは、決して容易なことではありません。多くの時間を学習と実践に費やす覚悟が必要です。

また、一人で全ての工程を担うことには、制作面での注意点もあります。前述の通り、全ての判断を自分一人で行うため、客観的な視点を失いやすくなります。自分の作りたいものに固執するあまり、リスナーにとって聴きやすい音楽から離れてしまう可能性もあるでしょう。

このような課題を乗り越えるためには、信頼できる第三者に定期的に楽曲を聴いてもらい、フィードバックを求めることが一つの有効な手段です。自分では気づけなかった改善点や新たな可能性を発見するきっかけになります。作詞作曲編曲を一人で手掛ける道は険しいですが、それだけに、完成したときの達成感は計り知れないものがあるでしょう。

作曲と編曲における印税の仕組み

音楽クリエイターの収入について考えるとき、「印税」という言葉がよく登場します。しかし、作曲と編曲では、この印税に関する扱いが大きく異なるのが一般的です。

まず理解しておきたいのは、日本の著作権法において、印税（著作権使用料）を受け取る権利が発生するのは、基本的に「作詞」と「作曲」に対してである、という点です。楽曲がCDで販売されたり、カラオケで歌われたり、放送で使われたりするたびに、その使用料の一部が著作権管理団体（JASRACやNexToneなど）を通じて作詞家と作曲家に分配されます。

一方、編曲は著作権法上、元の楽曲から派生した「二次的著作物」と見なされることはありますが、多くの場合、独立した著作物として印税の対象にはなりません。編曲家への報酬は、楽曲制作を依頼された際に支払われる「編曲料」や「アレンジ料」といった、いわゆる買い切り（一括払い）のギャランティが主流です。つまり、その楽曲がどれだけヒットして何百万枚売れたとしても、特別な契約がない限り、編曲家に追加の印税が支払われることはないのです。

この仕組みには、編曲のクリエイティブな貢献度が正当に評価されていないのではないか、という議論も存在します。楽曲のヒットにおいて、編曲が果たした役割は計り知れないほど大きいケースも少なくないからです。

ただし、これはあくまで一般的な仕組みです。アーティストと編曲家の間の契約内容によっては、編曲料とは別に、楽曲の売り上げに応じた報酬（印税）が支払われるケースも存在します。クリエイターとして活動する上では、こうした権利や契約に関する知識も身につけておくことが大切になります。

初心者でも分かる編曲のやり方

編曲と聞くと専門的で難しく感じるかもしれませんが、基本的な手順を理解すれば、初心者でも挑戦することが可能です。ここでは、編曲の基本的な流れを4つのステップに分けて解説します。

ステップ1：曲の構成とコード進行を決める

まず、作曲したメロディーに対して、曲全体の設計図を描きます。Aメロ、Bメロ、サビといった構成を考え、それぞれの部分にどのようなコード進行を割り当てるかを決めます。コード進行は曲の雰囲気や感情を方向づける土台となるため、非常に重要な工程です。最初は、好きな楽曲のコード進行を参考にしてみるのも良い練習になります。

ステップ2：リズム楽器（ドラム、ベース）を入れる

次に、楽曲の心臓部であるリズム隊を構築します。ドラムで基本的なビートを刻み、ベースでコードのルート音を中心に演奏して、曲に安定感とグルーヴ感を与えます。どのようなリズムパターンを選ぶかによって、曲のジャンル（ロック、ポップス、ジャズなど）が大きく変わってきます。

ステップ3：和音楽器（ピアノ、ギター）で肉付けする

リズムの土台の上に、ピアノやギターといった和音楽器を重ねていきます。コードを演奏して曲のハーモニーを豊かにしたり、メロディーを引き立てるための対旋律（カウンターメロディ）を加えたりします。ここで音を重ねすぎると曲が濁ってしまうため、各楽器の役割を考えながら、バランス良く配置することが鍵となります。

ステップ4：装飾的な音（シンセ、ストリングス）を加える

最後に、楽曲をさらに華やかにするための装飾的な音を追加します。例えば、サビの部分でストリングス（弦楽器）を加えて壮大な雰囲気を演出したり、効果音的なシンセサイザーのフレーズを入れて曲にアクセントをつけたりします。これらの音は「隠し味」のようなもので、使いすぎると逆効果になることもあるため、慎重に加える必要があります。

以上のステップを踏むことで、一つのメロディーが豊かなサウンドを持つ楽曲へと変化していきます。

作曲と編曲の違いを知って作曲を学ぶ方法

• 作曲の勉強時間と作曲ができるようになるには
• 独学に役立つ作曲の勉強アプリ
• 本格的に学ぶなら椿音楽教室がおすすめ
• 作曲と編曲の違いを理解して一歩を踏み出そう

作曲の勉強時間と作曲ができるようになるには

「作曲ができるようになるには、どれくらいの勉強時間が必要ですか？」という質問は、作曲を志す多くの方が抱く疑問ですが、これに対する明確な答えはありません。なぜなら、必要な時間は個人の音楽経験、学習方法、そして「できるようになる」という目標レベルによって大きく異なるからです。

例えば、ギターで簡単なコードを弾きながら鼻歌でメロディーを乗せ、1曲の弾き語り曲を完成させる、というレベルであれば、音楽経験のない方でも数ヶ月の練習で到達できる可能性があります。しかし、様々な楽器を駆使した複雑なアレンジまで含めて、プロとして通用するクオリティの楽曲を制作できるようになるには、数年単位での継続的な学習と実践が不可欠です。

作曲ができるようになるために大切なのは、合計の勉強時間そのものよりも、むしろ「学習の質と継続性」です。闇雲にDAWソフトを触っているだけでは、効率的なスキルアップは望めません。

まず、基本的な音楽理論（スケール、コード理論など）を学ぶことは、作曲の引き出しを増やす上で非常に有効です。また、毎日30分でも良いので楽器に触れたり、好きな曲を分析（耳コピ）したりする習慣をつけることも、着実な成長に繋がります。

重要なのは、焦らずに自分のペースで楽しみながら学習を続けることです。短期間で成果が出ないからといって諦めてしまうのではなく、小さな「できた」を積み重ねていくことが、最終的に大きな目標達成への一番の近道となります。

独学に役立つ作曲の勉強アプリ

近年、スマートフォンやタブレットの普及に伴い、作曲の学習をサポートしてくれる便利なアプリが数多く登場しています。これらは、作曲の第一歩を踏み出す際の心強い味方となってくれるでしょう。

作曲学習アプリの最大のメリットは、その手軽さです。専門書を広げたり、パソコンの前に座ったりしなくても、通勤・通学中の電車の中や休憩時間といった隙間時間を使って、音楽理論やコード進行を学ぶことができます。多くはゲーム感覚で取り組めるように工夫されており、楽しみながら知識を身につけられる点も魅力です。例えば、コード進行のパターンを提案してくれるアプリや、仮想のキーボードでメロディー作りを試せるアプリなどがあります。

ただし、これらのアプリを利用する際には注意点も理解しておく必要があります。アプリでの学習は断片的になりがちで、体系的な知識を深く身につけるのには限界があります。あくまで作曲の基礎知識を補助的に学ぶためのツールと位置づけるのが適切です。

また、アプリは一方的に情報を提供してくれるだけで、あなたが作ったメロディーに対して「なぜ良いのか」「どうすればもっと良くなるのか」といった具体的なフィードバックはしてくれません。独学で行き詰まったときに、疑問点を解消したり、的確なアドバイスをもらえたりする環境がないことは、アプリ学習の大きなデメリットと言えます。

したがって、作曲の勉強アプリは入門用のツールとして活用しつつ、本格的なスキルアップを目指すのであれば、専門家から直接指導を受けるなどの次のステップを検討することが望ましいでしょう。

本格的に学ぶなら椿音楽教室がおすすめ

独学で作曲を学ぶことには手軽さというメリットがありますが、一方で「自分の作りたい音楽をどう表現すれば良いか分からない」「音楽理論が難しくて挫折しそう」といった壁に突き当たることも少なくありません。より効率的に、そして確実にスキルアップを目指すのであれば、プロの講師から直接指導を受けられる音楽教室が最適な選択肢となります。

中でも、作曲や音楽理論を基礎からしっかり学びたい方には、椿音楽教室がおすすめです。

椿音楽教室の最大の特長は、質の高い講師によるマンツーマンレッスンです。あなたのレベルや目標、作りたい音楽のジャンルに合わせて、経験豊富な講師が最適なカリキュラムを組んでくれます。レッスン中に生まれた疑問点をその場で解決できるため、独学で何時間も悩んでいた問題が、わずか数分でクリアになることも珍しくありません。

また、クラシック音楽の教育に強みを持っている点も大きなポイントです。ポピュラーミュージックの根底にはクラシックの音楽理論が流れており、その基礎を体系的に学ぶことは、作曲能力を飛躍的に向上させる上で非常に有効です。

さらに、東京都内200箇所以上、関西エリアでも150箇所以上という豊富なスタジオ数を誇り、通いやすい場所でレッスンを受けられる利便性も魅力です。初心者の方から、よりハイレベルな技術を求める方まで幅広く対応しています。

もちろん、レッスンには費用がかかるという側面はありますが、それは自己投資と考えることができます。独学で遠回りする時間を考えれば、結果的にコストパフォーマンスが高い選択となる可能性も十分にあります。椿音楽教室では無料体験レッスンも実施しているため、まずは一度、プロの指導を体感してみてはいかがでしょうか。

作曲と編曲の違いを理解して一歩を踏み出そう

この記事を通じて、作曲と編曲の役割の違いや、音楽制作のプロセスについて理解を深めていただけたでしょうか。最後に、本記事の要点をまとめます。

• 作曲はメロディー（主旋律）を生み出す作業
• 編曲は作曲されたメロディーを装飾し楽曲として完成させる作業
• 作詞は楽曲の言葉である歌詞を作る作業
• 作曲は楽曲の骨格、編曲は肉付けや衣装に例えられる
• 現代の音楽制作では作曲と編曲を同一人物が行うケースが多い
• DTM（デスクトップミュージック）の普及がその背景にある
• 作詞作曲編曲の全てを一人で行うには幅広い知識とスキルが必要
• 著作権印税は主に作詞と作曲に対して発生するのが基本
• 編曲家への報酬は制作時の編曲料（買い切り）が一般的
• 編曲はコード進行、リズム、楽器構成などを決めるクリエイティブな作業
• 作曲の学習はウェブサイトやアプリを使って独学で始めることも可能
• 独学は手軽だが体系的な知識の習得やモチベーション維持が難しい側面がある
• 作曲スキルの習得に必要な時間は個人の目標や学習方法によって大きく異なる
• 効率的に上達を目指すならプロの講師から直接指導を受けるのが有効
• 椿音楽教室では経験豊富な講師によるマンツーマンレッスンが受けられる

いかがでしたでしょうか。

DTMは非常に楽しいですし、副業になる可能性も高い、趣味としても奥深いものです。自分の作った音楽が、誰かに聞かれる。人気が出るのは、本当に楽しいものです。

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これらの点を意識して取り組めば、DTMはきっとあなたの創造性を刺激し、豊かな音楽ライフをもたらしてくれるはずです。

また、以下の編曲サービスと音楽教室がコスパ抜群です。

DTMで作曲を行う際、自分自身で一曲を完成させることはもちろん素晴らしいことですが、

編曲サービスを利用することで曲の完成度を一層高めることができます。

ここでは、編曲サービスがなぜ便利なのか、その理由と具体例について詳しく解説します。

まず、編曲サービスを利用する最大のメリットは、専門家の技術と経験を活用できることです。

プロの編曲者は、音楽理論や楽器の特性、サウンドデザインに精通しており、自分では思いつかないようなアイデアやアプローチを提案してくれます。

これにより、楽曲のクオリティが一段と向上し、リスナーにとってより魅力的な作品に仕上げることができます。

また、編曲サービスを利用することで、自分の時間と労力を節約できるという利点もあります。

DTMは非常に時間と手間がかかる作業であり、特に編曲の段階では細部にわたる調整が必要です。

編曲サービスを利用することで、そうした煩雑な作業を専門家に任せることができるため、

自分は他のクリエイティブな作業に集中することができます。

さらに、編曲サービスは新たな視点を得る機会ともなります。自分の作った曲を他の人に見てもらうことで、新たなインスピレーションや改善点を見つけることができるのです。

編曲者からのフィードバックを受けることで、自分のスキル向上にもつながります。

例えば、あなたが作った曲が既に良いメロディとリズムを持っている場合でも、編曲サービスを利用することで、より洗練されたサウンドに仕上げることができます。

具体的には、楽器の選定や配置、エフェクトの適用など、細かい部分に至るまで専門的なアプローチが施されます。

これにより、曲全体のバランスが良くなり、プロフェッショナルな仕上がりになります。

結論として、曲の完成度を高めるためには編曲サービスを利用することが非常に便利です。

専門家の技術を活用することで、楽曲のクオリティを向上させるだけでなく、自分の時間と労力を節約し、新たな視点を得ることができます。

編曲サービスを積極的に活用することで、より魅力的な作品を生み出すことができるでしょう。

DTM (DeskTop Music)を始めると、自分で作曲や編曲を行う楽しさを実感することでしょう。

しかし、上達を目指すなら音楽教室に通うことをおすすめします。

音楽教室は、技術や知識を体系的に学ぶ場として非常に効果的です。

ここでは、音楽教室に通うメリットと、その効果について詳しく解説します。

まず、音楽教室では、プロの講師から直接指導を受けられるという利点があります。

プロの講師は、豊富な経験と知識を持っており、生徒一人一人のレベルに応じた指導を行います。

これにより、自分の弱点や改善点を的確に把握し、効率的にスキルアップすることができます。

自己流で学ぶ場合には気づかないような細かなポイントも、講師の指導によってクリアに理解できるようになります。

また、音楽教室では、基礎から応用まで幅広いカリキュラムが用意されています。

音楽理論や楽器の演奏技術、作曲技法など、DTMに関連する様々な知識を体系的に学ぶことができます。

特に、音楽理論は作曲や編曲において重要な役割を果たすため、

基礎からしっかり学ぶことで、自分の音楽制作に深みを加えることができます。

さらに、音楽教室は他の生徒との交流の場でもあります。

共に学ぶ仲間がいることで、モチベーションが高まり、互いに刺激し合うことができます。

また、他の生徒の作品を聴くことで新たな発見やアイデアを得ることができ、自分の音楽制作にも良い影響を与えます。

例えば、あなたが作曲を始めたばかりの初心者であっても、音楽教室に通うことで、

プロの講師から基本的な音楽理論を学び、実際の楽器を使った演奏技術を習得することができます。

そして、クラスメートと一緒に演奏を楽しみながら、自分のスキルを磨くことができます。

このような環境で学ぶことで、自分の成長を実感しながら、DTMの上達を目指すことができます。

以下に、筆者が厳選しておすすめする音楽教室を紹介します。

リアルでの音楽体験も、さまざまなチャンスにつながるので、ぜひご検討ください。