編曲と作曲の違いとは？役割や大変さをわかりやすく解説

音楽クレジットで目にする「作曲」と「編曲」。この二つの言葉について、編曲と作曲の違いがよくわからない、と感じたことはありませんか。

アーティストのクレジットを見て、作曲と編曲が同じ人である場合もあれば、編曲までやるアーティストもいて、一体どこからが編曲ですか？と疑問に思う方も多いでしょう。また、作曲と編曲の役割の違いは何ですか？という根本的な問いや、作曲と編曲の違いはメロディを作るのか？といった具体的な内容、さらには作詞作曲編曲を一人で行うケースについても気になるところです。

この記事では、そうした疑問にすべてお答えします。作曲と編曲、どっちが大変か、あるいは作曲と編曲はどっちが大変ですか？という素朴な疑問から、作曲と編曲の印税に関する実用的な知識、作曲と編曲はどこまでが誰の担当かという境界線、そして編曲とは編曲のやり方の基本まで、プロの視点から分かりやすく解説していきます。

• 作曲と編曲の基本的な役割の違い
• 担当する作業の具体的な境界線
• DTM時代における制作者の役割の変化
• 印税やスキルのような実践的な知識

基本からわかる編曲と作曲の違い

• 作曲と編曲の役割の違いは何ですか？
• 作曲と編曲の違いはメロディを作るのか？
• 編曲とはどこからが編曲ですか？
• 作曲と編曲はどこまでが担当範囲か
• 編曲とは？基本的な編曲のやり方

作曲と編曲の役割の違いは何ですか？

作曲と編曲の最も基本的な役割の違いは、「曲の骨格を作る」のが作曲で、「肉付けをして完成形に仕上げる」のが編曲である、という点にあります。

言ってしまえば、作曲家は「メロディ」と「コード進行」という、楽曲の根幹となる要素を生み出すクリエイターです。例えば、シンガーソングライターがギター一本で弾き語る場合、そこで歌われているメロディと演奏されているコードが「作曲」された部分にあたります。これは楽曲の設計図とも言えるでしょう。

一方、編曲家はその設計図を元に、楽曲をより魅力的で聴きごたえのあるものにするための装飾を施します。どの楽器を使い、どのようなリズムを刻み、どんなイントロや間奏を入れるかなどを考え、伴奏全体を構築するのが編曲家の仕事です。オーケストラで言えば、指揮者が各楽器パートに指示を出すように、楽曲全体のアレンジを手がけます。

このように、役割が明確に分かれているからこそ、それぞれの専門性を活かしたクオリティの高い楽曲が生まれるのです。

作曲と編曲の違いはメロディを作るのか？

はい、その通りです。作曲と編曲の最大の違いは、メロディを作るかどうかという点にあると言っても過言ではありません。

作曲の核心は、まさしくメロディを生み出すことにあります。多くの楽曲は、聴く人の心に最も強く残る「歌の旋律」や「楽器の主旋律」がその魅力の中心です。作曲家は、歌詞の世界観や伝えたい感情を、音の高低やリズムを組み合わせてメロディという形にします。もちろん、そのメロディを支えるための基本的なコード進行も作曲家が作ることがほとんどです。

これに対して、編曲家は基本的にゼロからメロディを作ることはありません。編曲家は作曲家から渡されたメロディとコードを素材として、その魅力を最大限に引き出すための「お化粧」を施すのが仕事です。具体的には、以下のような作業を行います。

• どの楽器（ドラム、ベース、ギター、ピアノ、ストリングスなど）を使うか決める
• それぞれの楽器が演奏する具体的なフレーズやリズムパターンを作る
• イントロ、Aメロ、Bメロ、サビ、間奏、アウトロといった楽曲の構成（展開）を考える
• 曲全体のテンポ（速さ）やキー（高さ）を最終決定する

つまり、作曲家が「何を歌うか（メロディ）」を決めるのに対し、編曲家は「それをどう聴かせるか（伴奏や構成）」を決める、と考えると非常に分かりやすいでしょう。

編曲とはどこからが編曲ですか？

「どこからが編曲か」という境界線は、実は非常に曖昧で、明確な定義があるわけではありません。しかし、一般的には「メロディとコード以外のすべての音を作る作業」が編曲の範囲だと考えられています。

具体的な例で考えてみましょう。

ケース1：弾き語りのオリジナル曲

路上ライブでアーティストがアコースティックギターを弾きながら自作の歌を歌っているとします。この状態は、メロディとコードだけで構成されているため、「作曲はされているが、編曲はされていない」状態と言えます。

ケース2：バンドサウンドへの発展

その弾き語りの曲をCDとしてリリースするために、ドラム、ベース、エレキギター、キーボードの音を加えたとします。この、後から楽器のパートを加えて伴奏を豪華にする作業、これこそが「編曲」です。どの楽器をどんな風に演奏させるか考え、実際に音を組み立てていくプロセス全体が編曲にあたります。

逆に言えば、作曲家が鼻歌でメロディを作り、それを編曲家が受け取ってコード付けから伴奏制作まで全て行う、というケースもあります。この場合、編曲家が担当する範囲は非常に広くなります。

結局のところ、「どこからが編曲か」は制作プロジェクトの開始時に「誰がどの役割を担うか」という取り決めで決まることが多く、厳密なルールよりも関係者間の合意が優先されるのが実情です。

作曲と編曲はどこまでが担当範囲か

作曲と編曲の担当範囲は、楽曲の制作スタイルや関わる人々の間で柔軟に変動するため、「ここからここまで」と明確に線引きするのは難しいのが現状です。しかし、一般的なモデルケースとして、それぞれの担当範囲を整理すると以下のようになります。

ただ、この分担はあくまで一例です。

担当範囲が変動する例

• 作曲家が編曲の土台まで作るケース：DAW（音楽制作ソフト）の普及により、作曲家がドラムやベースなどの簡単な伴奏まで含めた「デモ音源」を制作することが一般的になりました。この場合、編曲家はそのデモを元に、よりクオリティの高いアレンジに仕上げていきます。
• 編曲家が補作するケース：編曲の過程で、編曲家がメロディの一部を修正したり、印象的なリフ（繰り返しフレーズ）を追加したりすることもあります。この場合、クレジットに「補作曲」として編曲家の名前が記載されることもあります。

編曲とは？基本的な編曲のやり方

編曲とは、前述の通り、メロディとコードを元に楽曲の伴奏や構成を構築し、音楽作品として完成させる作業です。ここでは、DTM（デスクトップミュージック）を想定した基本的な編曲のやり方を、ステップに分けてご紹介します。

ステップ1：楽曲の方向性を決める

まず、受け取ったメロディとコードから、どんなジャンルや雰囲気の曲に仕上げたいかを決めます。例えば、「疾走感のあるロックサウンド」「壮大なオーケストラアレンジ」「おしゃれなジャズ風」など、完成形のイメージを固めることが最初のステップです。

ステップ2：リズムセクションを構築する

次に、楽曲の土台となるドラムとベースを打ち込んでいきます。ドラムは曲のテンポやノリを決定づける重要なパートです。基本的な8ビートや16ビートのパターンを元に、Aメロはシンプルに、サビは派手にするなど、展開に合わせて変化をつけます。ベースは、コードのルート音を基本に、ドラムと連携して楽曲のグルーヴを生み出すフレーズを作ります。

ステップ3：ハーモニー楽器（上物）を追加する

リズム隊の土台ができたら、その上にハーモニーを奏でる楽器、通称「上物（うわもの）」を重ねていきます。代表的なのはピアノやギターです。

• ピアノ：コードを弾くだけでなく、アルペジオ（分散和音）にしたり、印象的なフレーズを追加したりして彩りを加えます。
• ギター：コードをかき鳴らすバッキング、単音でメロディックなフレーズを弾くリフなど、多様な役割を担います。

ステップ4：装飾的な音を追加する

曲をさらに豪華にするため、ストリングス（ヴァイオリンなど）やシンセサイザー、ブラス（トランペットなど）といった装飾的な音を追加します。例えば、サビの裏で壮大なストリングスを鳴らしたり、間奏でシンセサイザーのソロを入れたりすることで、楽曲の表現力が格段に向上します。

これらのステップを経て、各楽器の音量バランスを整える「ミックス」という作業を行えば、編曲は完了です。これが編曲のやり方の基本的な流れとなります。

DTM時代の編曲と作曲の違いと実情

• 作曲と編曲が同じ人であるケース
• 作詞作曲編曲を一人でこなすスキル
• なぜ編曲までやるアーティストが増えた？
• 作曲と編曲で印税の分配は変わる
• 作曲と編曲、結局どっちが大変か
• 作曲と編曲はどっちが大変ですか？

作曲と編曲が同じ人であるケース

音楽クレジットで「作詞・作曲・編曲：〇〇」のように、作曲と編曲が同じ人であるケースを目にする機会は非常に多いです。これには、いくつかの理由とパターンが存在します。

1. DTMの普及による制作スタイルの変化

最大の理由は、DTM（デスクトップミュージック）の普及です。かつては高価な機材やスタジオが必要だった編曲作業も、現在ではパソコン一台あれば個人で完結できるようになりました。このため、作曲家がメロディを作る段階で、同時にドラムやベースなどの伴奏も作り込み、編曲作業まで一貫して行ってしまうスタイルが一般的になったのです。

2. アーティスト自身がすべてを手がける場合

バンドやシンガーソングライターなど、アーティスト自身が自分の楽曲の編曲まで担当するケースも増えています。これは、自分の音楽的世界観を隅々までコントロールしたい、というクリエイターとしての自然な欲求の表れです。Official髭男dismやKing Gnuのように、メンバーが中心となって編曲まで手がけるバンドは、その独創的なサウンドで高い評価を得ています。

3. ゴーストライターやコライト（共同制作）

表向きのクレジットでは「作曲・編曲：アーティスト名」となっていても、実際にはアレンジャーや音楽プロデューサーが編曲作業の大部分を担っている、というケースも存在します。また、近年では海外のように、複数の作家が共同で楽曲を制作する「コライト（Co-write）」という手法も増えており、作曲と編曲の境界はますます流動的になっています。

このように、作曲と編曲が同じ人である背景には、テクノロジーの進化とクリエイターの意識の変化が大きく関わっています。

作詞作曲編曲を一人でこなすスキル

作詞、作曲、編曲の全てを一人でこなす、いわゆる「マルチクリエイター」になるためには、非常に幅広く、かつ深いスキルが求められます。それぞれが独立した専門分野であるため、全てを高いレベルで実現するのは簡単なことではありません。

1. 作詞に必要なスキル

• 語彙力と表現力：伝えたいテーマや感情を的確な言葉で表現する力。
• 物語構成力：Aメロ、Bメロ、サビといった展開に合わせて、聴き手を引き込むストーリーを組み立てる力。
• 韻律の知識：メロディのリズムに心地よく乗る言葉を選ぶ感覚（押韻など）。

2. 作曲に必要なスキル

• メロディセンス：人の心に残る、キャッチーで美しいメロディを生み出す発想力。
• 音楽理論（コード理論）：メロディに適切なハーモニー（和音）を付けるための知識。
• 楽器演奏能力：ピアノやギターなど、作曲のツールとなる楽器をある程度演奏できる技術。

3. 編曲に必要なスキル

• 幅広い音楽知識：ロック、ポップス、ジャズ、クラシックなど、様々なジャンルの音楽スタイルや楽器法に関する深い知識。
• DTMスキル：DAW（音楽制作ソフト）を自在に操り、頭の中の音を具現化する技術。これには、音源の選定やミキシングの初歩的な知識も含まれます。
• 構成力と客観性：楽曲全体を俯瞰し、聴き手を飽きさせない展開を作り上げるプロデュース能力。

作詞作曲編曲を一人でこなすことは、自分の音楽を100%コントロールできるという大きな魅力がありますが、それ相応の多角的なスキルと絶え間ない努力が必要となるのです。

なぜ編曲までやるアーティストが増えた？

近年、メジャーシーンでもインディーズシーンでも、編曲まで自身で手がけるアーティストが著しく増えています。この背景には、主に3つの大きな理由が考えられます。

1. DTM（デスクトップミュージック）環境の進化と低価格化

これが最も大きな要因です。かつてプロ品質の編曲を行うには、高価なシンセサイザーや録音機材、そして専門のスタジオが必要不可欠でした。しかし現在では、高性能なパソコンと数万円の音楽制作ソフト（DAW）、オーディオインターフェースがあれば、自宅で誰でも編曲が可能な時代になりました。この技術革新により、アーティストが作曲の延長線上で、ごく自然に編曲まで手がけるようになったのです。

2. 音楽表現の追求とオリジナリティの重要性

音楽のサブスクリプションサービスが普及し、リスナーが膨大な量の楽曲に触れるようになった現代において、他の誰とも違う「オリジナリティ」はアーティストにとって生命線です。メロディだけでなく、サウンドプロダクション（音作り）全体で独自の世界観を表現したい、という思いから編曲まで踏み込むアーティストが増えています。編曲は、楽曲の個性を決定づける上で非常に重要な要素だからです。

3. コスト削減と制作スピードの向上

外部の編曲家に依頼する場合、当然ながら編曲料というコストが発生します。特にインディーズで活動するアーティストにとっては、この費用は決して小さくありません。自身で編曲を完結できれば、制作コストを大幅に削減できます。

また、外部の編曲家とのスケジュール調整やイメージのすり合わせといった時間も不要になるため、楽曲制作のスピードが格段に向上するというメリットもあります。これにより、より多作になったり、スピーディーに楽曲をリリースしたりすることが可能になります。

作曲と編曲で印税の分配は変わる

はい、作曲と編曲では、楽曲から生じる著作権印税の分配において明確な違いがあります。これは音楽でお金を稼ぐ上で非常に重要な知識です。

結論から言うと、原則として著作権印税が発生するのは「作詞」と「作曲」に対してのみで、「編曲」には著作権法上の印税は発生しません。

著作権印税の仕組み

楽曲の著作権は、JASRAC（ジャスラック）などの著作権管理団体によって管理されています。CDの売上やカラオケ、放送などで楽曲が使用されると、その使用料が管理団体に支払われ、そこから作詞家と作曲家に印税として分配されます。

では、編曲家はどのように報酬を得るのでしょうか？

この関係性を表にまとめると、以下のようになります。

作曲と編曲、結局どっちが大変か

「作曲と編曲、どっちが大変か」という問いは、音楽制作に携わる多くの人が一度は考えるテーマですが、これに対する絶対的な答えはありません。なぜなら、大変さの種類や質が全く異なるからです。

作曲の大変さ：「0」から「1」を生み出す苦しみ

作曲の大変さは、何もない無の状態から、人の心を動かすメロディという「1」を生み出さなければならない点にあります。これは純粋な発想力やセンスが問われる領域であり、理屈だけではどうにもならないことが多いです。いくら時間をかけても良いメロディが全く浮かばない、という産みの苦しみは、多くの作曲家が経験します。言ってしまえば、要素が少ない分、ごまかしが効かないシビアな世界です。

編曲の大変さ：膨大な知識と技術、そして忍耐力

一方、編曲の大変さは、膨大な知識と技術を総動員して、多様な要素を一つの音楽作品としてまとめ上げる点にあります。各楽器の特性や効果的な使い方、様々な音楽ジャンルの知識、DAWを操る技術力など、習得すべきことが山のようにあります。一つの曲を完成させるまでに何十、何百というトラックを扱い、非常に地道で根気のいる作業を長時間続ける必要があります。こちらは、センスだけでなく論理的な思考力と忍耐力が強く求められます。

作曲と編曲はどっちが大変ですか？

前述の通り、作曲と編曲の大変さは種類が違うため一概には比較できませんが、ここでは「求められるスキルの幅」と「作業時間」という二つの観点から、もう少し具体的に考えてみましょう。

スキルの幅で言えば「編曲」が大変な傾向

純粋に必要とされる知識や技術の幅広さで言えば、編曲の方が大変だと言えるかもしれません。編曲家は、ドラム、ベース、ギター、ピアノ、ストリングス、シンセサイザーといった多種多様な楽器の演奏法や特性を理解し、それらを効果的に組み合わせる必要があります。さらに、DAWの操作技術やミキシングの知識も不可欠です。学ぶべきことが非常に多岐にわたるため、一人前の編曲家になるには長い時間と経験が必要です。

作業時間で言えば「編曲」が圧倒的に長い

一つの楽曲を制作する上での物理的な作業時間で比較すると、明らかに編曲の方が長くかかります。作曲家が良いメロディを思いつくのが一瞬である可能性もあるのに対し、編曲家はそのメロディを元に、何十時間もかけて各楽器のパートを一つ一つ打ち込み、全体のバランスを調整していく必要があります。地道で緻密な作業の積み重ねが求められるため、時間的な負担は編曲家の方が大きいと言えるでしょう。

まとめ：編曲と作曲の違いを理解しよう

この記事では、編曲と作曲の違いについて、役割や担当範囲、そして現代の音楽シーンにおける実情まで、様々な角度から解説しました。最後に、記事の要点をリスト形式でまとめます。

• 作曲は楽曲の核となるメロディとコード進行を作ること
• 編曲はメロディとコードを元に伴奏全体を構築し完成させること
• 最大の違いはゼロからメロディを作るかどうかという点
• どこからが編曲かという境界線は曖昧でプロジェクトによる
• 一般的にはメロディとコード以外の音作りが編曲の範囲
• DTMの普及により作曲家が編曲まで兼ねるケースが増加
• アーティストが自身の世界観を表現するために編曲まで行うことも多い
• 作詞作曲編曲を一人でこなすには多角的なスキルが必要
• 著作権印税は原則として作詞家と作曲家に分配される
• 編曲家は制作時に「編曲料」として報酬を得るのが基本
• 作曲の大変さは「0から1」を生み出す産みの苦しみにある
• 編曲の大変さは膨大な知識と技術、作業時間が求められる点にある
• どちらが大変かという問いに絶対的な答えはない
• 両者は異なる質の大変さを持つ、どちらも尊い仕事である
• 編曲と作曲の関係性を理解すると音楽をより深く楽しめる